Síguenos

Noticias Comments (0) |

Reseña: This Will Pass – Viv And The Sect

¡Ya llegó! ¡ya está aqui! ¡El nuevo álbum de Viv And The Sect!

Leí durante meses que unos tal Viv And The Sect estaban alborotando la vida de algunos ciudadanos en México y no sólo de mi país, también ya sonaban en algunas partes del mundo, veía sus fotos y no me la creía; ¿otra banda queriendole hacer al setentero?, y no es que este en contra de eso, al contrario. Sin embargo; ya he escuchado suficientes bandas tratando de hacerle al psych, al garage y todo ese rollo, que casi que ya pierdo la fé. No por restarles méritos, sino porque ya ninguna me emocionaba, todas me sonaban a lo “mismo”. ¿Cuándo este país me va a regalar otra banda para irme a emocionar con sus en vivo? ¿Cuándo me van a poner a bailar unos guitarrazos? Creí que la espera sería larga sin imaginar que la Viv sería justo ese milagro que yo esperaba.

Hace un año aproximadamente grabaron su primer álbum titulado This Will Pass producido por Hugo Quezada y apenas hace unos días nos llegaron a México las primeras copias físicas del álbum en vinyl de colores editado por Get Hip Recordings y masterizado por Jim Diamond, ¡’amonos recios!

Este álbum tiene la asombrosa capacidad de hacerte bailar, cantar, enamorarte, llenarte de energía, explotar y si; ser feliz. No exagero, tenemos una base rítmica sólida y marcada, maciza; batería a cargo de Rho Morán y una linea de bajo de la mano de Mario Anguiano que me recuerdan a los mismísimos ¡Stones! ¡ahí nomás!, gracias a este soporte Aleph “El Escultor” Aguilar puede rifarse unos increíbles riffs, la guitarra me recuerda a las épocas antes de la invención del pedal de efectos, cuando los guitarristas tenían sus trucos para distorsionar saturando el amplificador, Aleph tiene la gran virtud de ensuciar el sonido sin llegar por completo a la perdida de la armonía, como a lo que sonaba el surf en sus primeros años. John Moss logró el tono adecuado para darle voz a los Viv, reverberación y letras que además de ser pegadizas, son himnos para cualquier época de la vida humana. A todo esto hay que añadirle los dulces y psicodélicos arreglos de una guitarra electro acústica y claro; el Wacco Fuzz de Neza en el órgano añadiéndole un muy distintivo sonido a todo el álbum que bien podría ser el soundtrack de algún libro del José Agustín.

En pocas palabras es un súper álbum, me sería difícil decir qué canción es mejor que otra porque ni siquiera eso es posible. Cuando llegué al track 3 ya estaba pensando:  “quiero irme a descontrolar con estos hermanos”, cada una de las canciones son especiales, pero,  si tuviera que mencionar una sería Bleserone, y si no me creen vayan a verlos tocarla en vivo, esa canción tiene algo muy especial y todavía no adivino qué es. Y es correcto hacer mención honorífica a Leave Me Alone, Blues Days y I’m Doing Great, repito; todo el álbum es joya.

La naturalidad de cada integrante con su instrumento es notoria, no estamos hablando de un grupo que se sentó a escuchar algunos viejos discos e intentó copiar esa movida, la naturalidad y el desenfado con el que se ejecutan las piezas deja en evidencia lo hermoso que es componer y entregarte a sentir la música, sin obligarse o pretender sonar a algo en especial, el resultado es This will pass.

De seguir así, Viv And The Sect se podrían convertir en una banda de álbumes y no de rolas, algo que actualmente se agradece mucho.

A todo esto y a manera de reflexión; Viv and the Sect no son una banda que pretenda sonar exactamente igual a lo que se hacía hace 50 años, no son una banda de nostalgia ni una banda que rinda homenaje o tributo a alguna época, ojo.

Viv And The Sect, léanme bien; son una de las bandas que más respeto me merecen porque lograron un auténtico material de garage y rock psicodélico a partir de lo que ya estaba hecho. Si bien la psicodelia, el garage e incluso el rock son géneros que nunca han dejado de sonar acá en México, si han sido muy relegados y pocos son los grupos que han intentado darle continuidad a lo poco que se ha construido, Viv tiene el mérito de hacer nueva música, de brindarle nuevos rasgos y características al género, no sólo en lo concerniente a la música, también en lo social, cultural e identitario y esto solo hablando de México. Si esto no es ser un grande, entonces yo no sé que lo sea.

 

 

Read more

Uncategorized Comments (0) |

Reseña: Blood Orange – Freetown Sound

Blood Orange A.K.A Dev Hynes presenta su tercer álbum; Freetown sound, un trabajo personal y un hermoso recorrido musical, hasta el momento su obra maestra.

Freetown Sound es un gran trabajo artístico, Hynes plasmo todo lo que él es en este álbum. Creó sonidos de todo tipo sin temor a experimentar y mezclar géneros, construyo un nuevo mundo sonoro con claros guiños a sus influencias musicales y manifestó sus pensamientos sociopolíticos de la mano de sus emociones y raíces. El álbum fue bautizado de esta manera por Freetown en Sierra Leone, lugar natal de su padre.

En este siglo donde supuestamente todo es tolerancia e inclusión, la desigualdad social, parece acrecentarse, Freetown sound explora los conflictos que se han vivido en los últimos años en la cultura negra, como la discriminación racial, la migración, los asesinatos y la exclusión social. Hynes hace un análisis y profunda reflexión de estos sucesos; cada canción se conecta y narra de diversas maneras algunos eventos importantes de los últimos años ya sea con las líricas, con los sonidos o con pequeños diálogos. Freetown sound plasma los rasgos culturales, identitarios e injusticias sociales que aún experimentan cientos de personas.

Este disco es hermoso, tiene la facilidad de cambiar ritmos, sonidos y velocidad, sin que notes mucho en que momento ocurrió, es como esas lamparas que cambian de color gradualmente durante determinado tiempo, así en este álbum, el sonido gradualmente se va transformando y cuando menos lo notas te encuentras escuchando algo diferente, aunque no es perceptible el tiempo jamas te vas a perder, es un viaje a la psique de Blood Orange. Además cuenta con la colaboración de Zuri Marley, Debbie Harry, Ava Raiin, Carly Rae Jepsen, Ian Isaiah, Empress Of, Nelly Furtado, Bea1991, Ta-Nehisi C, Starchild, Kelsey Lu y Sampleos a canciones de Ashlee Haze y Venus Xtravaganza. La foto de portada es de Deana Lawson tomada en 2009 y titulada “Binki & Tony Forever”.

Así como cada canción va tocando algunos sucesos socioculturales también hace un recorrido ininterrumpido por las influencias musicales de Hynes y por diversos géneros musicales creados por la cultura negra; Desde R&B, Funk o Jazz hasta Synth Pop ochentero como el de Eddy Grant, este álbum logró vincular el sonido con las líricas de una manera particular pues absolutamente todo esta hablándote de identidad y cultura.

Es hasta el momento la obra maestra de Blood Orange, a parte de ser un álbum personal y reflexivo el artista manifiesta los momentos y rasgos identitarios actuales de las minorías, da cuenta de la cultura que actualmente se esta construyendo, documenta desde su perspectiva, con orgullo y emotividad, las situaciones que aquejan a la sociedad en estos tiempos, este álbum es oro, no lo dejen fuera de su colección musical.

 

Read more

Noticias Comments (0) |

La Víctima del Canibal, opera prima de La Orquesta Vulgar, reseña

 

Este disco encierra la vibra de los festivales al aire libre y una música alegre con efectos psicodélicos

Vladimir Zaldívar

“Fantoche a la realidad”, una de las rolas incluidas en la primera producción discográfica  de la Orquesta Vulgar, La víctima del caníbal (2015) –disponible en Spotify–, tuvo múltiples efectos en mi cabeza, uno de ellos: el placer de escuchar un tema en el que ocurren cosas inesperadas sobre ritmos que me son familiares. Conforme va avanzando el disco voy recorriendo en mi memoria los conciertos a los que he ido, en alguno de ellos me puso a bailar este sonido de “La víctima del caníbal” que de repente pasa por un momento sigiloso, como por una escena de suspenso en una película del Santo.

Encontrarse con la música de La Orquesta Vulgar es muy parecido a toparte con una banda callejera de músicos improvisando y sonriendo a quienes pasan y cruzan miradas con ellos. Su disco encierra la vibra de los festivales al aire libre y una música alegre con efectos psicodélicos (que me hacen olvidar que no tengo varo ni para las chelas pero sí tiempo y oídos para disfrutar de la lira venturosa de Cuauhtli en “Mr. Trueno y Los Magníficos de Plata”).

Esta banda mexicana transmite en cada una de sus canciones la sensación de estar frente a un jam, donde los sonidos brotan de unas partituras traducidas al dialecto de los integrantes y que al llegar a nuestros oídos en forma de notas musicales nos ponen a mover el pie con la intención de bailar un ratito antes de ir a chambear.

Con Luis “Simbad” en la batería, Fernando en el bajo, Lucas en el sax alto y la flauta transversa, Asaph en el sax tenor y Cuauhtli en la guitarra, La Orquesta Vulgar pondrá a bailar al Zinco Jazz Club (Calle Motolinia 20, Cuauhtémoc, Centro, CDMX) el próximo jueves 26 de mayo a las 9 de la noche (cover: 200 pesos).

A continuación, un video para darnos un quemón antes de ir a verlos al Zinco

Equipo editorial RevistaTBN.

Read more

Eventos, Noticias Comments (0) |

Red Hot Chilli Peppers anuncian nuevo disco con single: Dark Necessities

Los RHCP adelantan el sonido de su próximo disco, The Getaway con su nuevo sencillo: Dark Necessities

Vladimir Zaldívar

Con “Dark Necessities”, una rola que habla de alguien que satisface las necesidades oscuras con mota, los Red Hot Chili Peppers anunciaron el nuevo disco que estarán lanzando el próximo 17 de junio, The Getaway.

Para este nuevo sencillo mi amigo Chelas esperaba funk, pero no hay tal; lo que sí se mantiene en el bajo de Flea y la voz de Kiedis es el sonido clásico de la banda, siguiendo la línea pop que vienen tocando desde By the Way (2002). Chelas también extraña a John Frusciante en la lira, pero la verdad es que Josh Kinghoffer hace un excelente trabajo, a ratos incluso rindiendo tributo al guitarrista que dejó el grupo en el 2009 y que ahora está más clavado en la música electrónica (el 16 de abril, Frusciante lanzó Foregrow EP, que contiene cuatro tracks grabados en 2009, tiempo en el que comenzó a hacer música con máquinas, síntesis y computadoras; dense una vuelta por Trickfinger (2015), proyecto a base de sintetizadores y cajas de ritmos).

Los Peppers en esta ocasión no llamaron a Rick Rubin, quien había producido los discos de la banda californiana desde el oh, cómo olvidarlo, Blood Sugar Sex Magic (1991); ese puesto lo ocupó ahora Danger Mouse, productor en el 2014 del Songs of Innocence de U2 y, en el 2015, del 25 de Adele.

La banda ahora está de gira por Estados Unidos y continuarán por Europa, haciendo escalas en los festivales Lollapalooza, en Chicago, y en los Reading y Leeds, en Inglaterra.

 

Equipo editorial RevistaTBN.

Read more

Noticias Comments (0) |

A Moon Shaped Pool, Reseña

Radiohead suena tan vigente y vanguardista como siempre.

Vladimir Zaldívar

15 minutos de descanso en la chamba para escuchar “Daydreaming”, segundo tema del nuevo disco de Radiohead, A Moon Shaped Pool, que salió el domingo. Suena en mis audífonos un juego con el control de tiempo de algún delay, luego un piano se va levantando entre una atmósfera no escrita, toda expectativa sobre la rola se esfuma mientras ésta va tomando forma; me vienen a la mente las imágenes del video de la canción: Thom Yorke atravesando distintos escenarios, sus canas, su cara de estar descubriendo algo en el trayecto. Al final, nieve, una cueva, fuego; arreglos de cuerdas, sonidos espontáneos en reversa (“[…] half of my life [la mitad de mi vida]”). Fin.

 

El videoclip fue dirigido por Paul Thomas Anderson, para cuyas películas There Will Be Blood, The Master e Inherent Vice, Jonny Greenwood compuso los soundtracks, abundantes en arreglos orquestales, al igual que éste, el noveno álbum del quinteto de Oxford.

 

Más adelante, en “Desert Island Disk”, un kick comienza marcando un pulso que se va mezclando con el ritmo del canto que juntas hacen la guitarra y la voz, rodeadas de sonidos experimentales (esos que podrían venir de un sintetizador, una guitarra con muchos pedales, un plugin de computadora, un cuenco o una muestra de audio usada como instrumento).

 

Tres canciones después, “Identikit”, en la cual la voz de Yorke y los arreglos en los coros propician el escenario ambient, acompañado con una guitarra hipnótica que se mantiene a lo largo de la canción, desde un rasgueo en loop hasta convertirse en un riff que suena rockero sólo por un instante, para después culminar como un riff Radiohead. A este tema le sigue “The Numbers”, que abre con un jam entre dos pianos, sorprendidos por una guitarra acústica y una batería tranquila que avanzan hasta encontrarse con la voz de Yorke llenando gran parte del cuarto, al tiempo que unas cuerdas van sonando por su cuenta, como si fungieran de soundtrack de la misma canción.

 

Una versión de estudio de “True Love Waits” cierra el disco, la cual comparte un aspecto con la incluida en el I Might Be Wrong: Live Recordings (2001): sólo suenan dos instrumentos: la voz y, en esta ocasión, el piano y no la guitarra acústica.

 

Además de sonar increíble, A Moon Shaped Pool es como el disco de una banda que está empezando y a la cual le quedan varios discos por delante. Por ahora, Radiohead emprenderá su gira el 20 de mayo en Amsterdam, y pasará por México los 3 y 4 de octubre para tocar en el Palacio de los Deportes, a ver si se escucha bien (sólo bromeo, estoy ardido porque no tengo boleto, seguro se escucha poca madre en cualquier sección)

Equipo editorial RevistaTBN.

Read more

Comparte con tus amigos.
Hide Buttons